Stray Cinema is an open source movie. The raw footage from a film shot in New Zealand has been made available for the public to download from the Stray Cinema website. This is the second open source movie provided by Stray Cinema. The idea is to provide people with the opportunity to create their own version of the film, following the guidelines set by the Open Source movement found in software development and licensing. To participate, people must edit a one-two minute version of the film they wish to make from the available footage. Participants are then invited to post this manipulated footage back onto the Stray Cinema website, to be judged by their online community. The only stipulation is that the finished product contain at least 80 per cent of the original footage and be no longer than two minutes in duration. Film makers can add their own sound or download music created by participating musicians on websites such as MySpace.
http://straycinema.com/about/domingo, 28 de octubre de 2007
Atomic cafe
The Atomic Cafe (1982).
Realizada en 1982 por el cineasta Kevin Rafferty, la periodista Jayne Loader y el documentalista Pierce Rafferty, The Atomic Cafe recupera fragmentos de películas de los años 40 y 50 provenientes de los archivos documentales del gobierno estadounidense –propaganda educativa y defensa civil– y relacionadas con la energía nuclear y la bomba atómica”.
The Atomic Cafe es un hito del cine paródico (por error). Obviamente, la intención de los autores originales era que los espectadores se tomaran bien en serio estas películas sobre las bondades de la bomba atómica y la perversidad de la hidra comunista. Pero, ay, entre la falta de sutileza del mensaje y la descontextualización operada en The Atomic Cafe han propiciado que las intenciones pedagógicas se transformen en algo grotesco e hilarante.
En efecto, la película está tan llena de momentos memorables (o terroríficos, según se mire) que es difícil quedarse con uno. Así, podemos ver imágenes de un Harry S. Truman, presidente de los EE UU, incapaz de aguantarse la risa mientras anuncia por televisión que su país acaba de lanzar dos pepinos atómicos sobre Japón: “Hemos gastado más de dos mil millones de dólares en la mayor apuesta científica de la historia (sic). Y hemos ganado”. Pero, posiblemente, ninguna escena refleja mejor la intensidad paródica del film como la de la llegada de las tropas americanas a una isla perdida del Pacífico en la que pretenden realizar una prueba nuclear previo desalojo de los nativos. Resumamos: mientras la cámara muestra a una serie de nativos a pie de playa saludando sonrientes a las tropas una voz en off asegura (sin venirse abajo) lo siguiente: “Los nativos expresan su bienvenida a los americanos; a pesar de que el atolón de Bikini podría quedar totalmente destruido. Pero los nativos, con su simplicidad, su deseo de complacer y su cortesía están deseosos de colaborar”.
Fascinante banda sonora: una serie de encantadoras canciones de country cuyas letras sufren de una leve contaminación ideológica
Realizada en 1982 por el cineasta Kevin Rafferty, la periodista Jayne Loader y el documentalista Pierce Rafferty, The Atomic Cafe recupera fragmentos de películas de los años 40 y 50 provenientes de los archivos documentales del gobierno estadounidense –propaganda educativa y defensa civil– y relacionadas con la energía nuclear y la bomba atómica”.
The Atomic Cafe es un hito del cine paródico (por error). Obviamente, la intención de los autores originales era que los espectadores se tomaran bien en serio estas películas sobre las bondades de la bomba atómica y la perversidad de la hidra comunista. Pero, ay, entre la falta de sutileza del mensaje y la descontextualización operada en The Atomic Cafe han propiciado que las intenciones pedagógicas se transformen en algo grotesco e hilarante.
En efecto, la película está tan llena de momentos memorables (o terroríficos, según se mire) que es difícil quedarse con uno. Así, podemos ver imágenes de un Harry S. Truman, presidente de los EE UU, incapaz de aguantarse la risa mientras anuncia por televisión que su país acaba de lanzar dos pepinos atómicos sobre Japón: “Hemos gastado más de dos mil millones de dólares en la mayor apuesta científica de la historia (sic). Y hemos ganado”. Pero, posiblemente, ninguna escena refleja mejor la intensidad paródica del film como la de la llegada de las tropas americanas a una isla perdida del Pacífico en la que pretenden realizar una prueba nuclear previo desalojo de los nativos. Resumamos: mientras la cámara muestra a una serie de nativos a pie de playa saludando sonrientes a las tropas una voz en off asegura (sin venirse abajo) lo siguiente: “Los nativos expresan su bienvenida a los americanos; a pesar de que el atolón de Bikini podría quedar totalmente destruido. Pero los nativos, con su simplicidad, su deseo de complacer y su cortesía están deseosos de colaborar”.
Fascinante banda sonora: una serie de encantadoras canciones de country cuyas letras sufren de una leve contaminación ideológica
viernes, 26 de octubre de 2007
El metraje encontrado y el cine
Un articulo que analiza como se relacionan las tecnicas de found footage con el septimo arte.
El metraje encontrado
Por: Christian León
Aunque se dice que filmes como La Rabia (1962) de Pasolini, Zelig (1983) de Woody Allen e incluso Fahrenheit 9/11 (2004) de Michael Moore pliegan a la estética del filme encontrado, o found footage, caben precisiones.
El metraje encontrado
Por: Christian León
Aunque se dice que filmes como La Rabia (1962) de Pasolini, Zelig (1983) de Woody Allen e incluso Fahrenheit 9/11 (2004) de Michael Moore pliegan a la estética del filme encontrado, o found footage, caben precisiones.
Craig Baldwin es un cineasta excepcional. En los sesenta, trabajó como proyeccionista en salas de cine porno y de clase B en San Francisco. Por su oficio, cultivó una relación cercana, física y lúdica con el material fílmico. Coleccionaba pedazos de filme, se divertía cortando y pegando fragmentos de películas. Más tarde se orientaría a la realización de una obra excéntrica, hecha íntegramente de retazos descartados y películas recicladas que usa el imaginario kitsch y camp de la ciencia-ficción para trabajar temáticas políticas y sociales. Hoy, Baldwin es reconocido como uno de los autores representativos de lo que ha dado en llamarse como el “found footage” o metraje encontrado.
>> seguir leyendo
illegal-art
Libertad de expresión en la época de las corporaciones.
http://illegal-art.org/
Web de una expo hecha en Oregon en el 2006, que trataba todo el tema de la propiedad intelectual, el apropiacionismo, el plagio...etc. Pero a la vez es una muestra online porque te puedes descargar todos los materiales.
http://illegal-art.org/
miércoles, 24 de octubre de 2007
"Surplus: consumidores aterrorizados"
Martes 30
Círculo de Bellas Artes de Tenerife C/Castillo 43
Santa Cruz de Tenerife
20:00 Documental "Surplus: consumidores aterrorizados" dirigido por Erik Gadini. 2003. Duración:51 min.
Irónico y corrosivo documental de Erik Gandini, realizado por la productora independiente ALMO de Estocolmo. Parte de un análisis del papel del consumidor actual. Una representación perfecta y excepcional de la cultura antisistema. Entre una edición frenética, un constante acompañamiento musical y un inagotable juego de montajes audiovisuales, Surplus logra poner en evidencia las contradicciones del sistema.
Dentro del ciclo Una Mentira Cómoda del 24 al 31 de OctubreIrónico y corrosivo documental de Erik Gandini, realizado por la productora independiente ALMO de Estocolmo. Parte de un análisis del papel del consumidor actual. Una representación perfecta y excepcional de la cultura antisistema. Entre una edición frenética, un constante acompañamiento musical y un inagotable juego de montajes audiovisuales, Surplus logra poner en evidencia las contradicciones del sistema.
Círculo de Bellas Artes de Tenerife C/Castillo 43
Santa Cruz de Tenerife
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Un sitio dedicado a fotos, manuscritos y objetos encontrados
www.renewal.org.au/object
Times Tales
Time talesis a collection of found photographs. found at fleamarkets, thriftshops, some are scooped up from streets and alleyways, fallen from an overstuffed bag or torn pocket. others turn up in a cabinet’s hidden compartment, found while wandering the rooms of an abandoned house. now the photos exist by themselves, lost in time. time tales does not want to reveal their mysteries. time tales asks to be the new home for lost photos, a resting place, for the nameless and the lost. a picture needs memories to be an image.
foundphoto
thefoundphoto gallery specializes in vernacular + anonymous images, most of which are one of a kind, and all of which we find extraordinary.
620 Moulton Avenue
studio 204
Los Angeles 90031
phone>323.222.7444
babbette@thefoundphoto.com
http://www.thefoundphoto.com/
martes, 23 de octubre de 2007
Desmontaje documental
Desmontaje documental
Eugeni Bonet
Película de montaje es la formulación más habitual en las lenguas latinas para aquella clase de película basada sustancialmente, si no enteramente, en un material preexistente, de archivo u otra procedencia, reutilizado para generar un nuevo discurso. Utilizo deliberadamente la palabra “película”, en lugar de la forma culta film (preferida por los estudiosos más escrupulosos de la práctica cinematográfica propiamente dicha), porque actualmente dicha definición ha de abarcar diversos soportes, contextos y tránsitos. No solamente entre los medios sobradamente entreconexos hoy del cine, la televisión y el vídeo, sino también en lo que concierne a los sistemas multimedia, donde película (en inglés, movie) designa todo contenido que se ampara en una secuencia de imágenes en movimiento, sea en un disco digital compacto o en la intangibilidad de la red. Y es que, justamente, las culturas y los cultivos archivistas hallan, desde hace unos años, una nueva extensión en dichos medios o metamedios.
[...] resto del artículo aquí.
Eugeni Bonet
Eugeni BonetPelícula de montaje es la formulación más habitual en las lenguas latinas para aquella clase de película basada sustancialmente, si no enteramente, en un material preexistente, de archivo u otra procedencia, reutilizado para generar un nuevo discurso. Utilizo deliberadamente la palabra “película”, en lugar de la forma culta film (preferida por los estudiosos más escrupulosos de la práctica cinematográfica propiamente dicha), porque actualmente dicha definición ha de abarcar diversos soportes, contextos y tránsitos. No solamente entre los medios sobradamente entreconexos hoy del cine, la televisión y el vídeo, sino también en lo que concierne a los sistemas multimedia, donde película (en inglés, movie) designa todo contenido que se ampara en una secuencia de imágenes en movimiento, sea en un disco digital compacto o en la intangibilidad de la red. Y es que, justamente, las culturas y los cultivos archivistas hallan, desde hace unos años, una nueva extensión en dichos medios o metamedios.
[...] resto del artículo aquí.
Eugeni Bonet
Escritor digital en papeles impresos y en soportes audiovisuales y multimedia, se ocupa principalmente de cine y vídeo experimental y de las artes tecnomediales en general. También como curador de exposiciones y programaciones, entre las cuales las más recientes son El cine calculado (programa itinerante, 1999 y 2001), Movimiento Aparente (Espai d'Art Contemporani de Castelló, 2000) y el área audiovisual de Comer o no Comer (Salamanca 2002). Intercala entre dichas actividades sus propias realizaciones audiovisuales, que incluyen las series Lecturas de Cirlot (1997-98) y Música a máquina (2002). Profesor asociado en la facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona.
Noticias de cultura de archivo
http://www.culturasdearchivo.org/
Noticias de cultura de archivo
http://www.culturasdearchivo.org/
lunes, 22 de octubre de 2007
Culturas de archivo
Culturas de archivo plantea una reflexión en torno a la problemática del archivo y su repercusión en las formas de acceder a la información y al conocimiento. Es un recorrido por varios momentos de la cultura y el arte contemporáneos centrado en los modos y los procesos de narración de la realidad que el archivo genera. Abarca diferentes aspectos de esta dialéctica entre la producción y la exposición del documento desde su hallazgo hasta su publicación. Refleja parte del debate sobre su condición represora, sin dejar de lado su papel como garante de derechos del ciudadano, o testigo del devenir de sus sociedades. Todo ello mostrando intervenciones directas de narradores y artistas con intenciones narrativas no marcadas por el positivismo subyacente a todo archivo.
Este portal esta configurado como espacio de reflexión entorno a las líneas argumentales del proyecto, permitiendo la participación de toda persona interesada en colaborar y construir esta comunidad de investigación y reflexión en la red.
Libro: Culturas de archivo / Archive Cultures-Disponible
Nuevo libro: Culturas de archivo vol.2
Boletín nº 1: Memoria, identidad, identificación (edición digital)
Boletín nº 2: Fondos y nuevos documentos (edición digital)
¿Qué es Culturas de archivo? ¿Quiénes somos? ¿Cómo colaborar?
http://www.culturasdearchivo.org
Este portal esta configurado como espacio de reflexión entorno a las líneas argumentales del proyecto, permitiendo la participación de toda persona interesada en colaborar y construir esta comunidad de investigación y reflexión en la red.
Libro: Culturas de archivo / Archive Cultures-Disponible
Nuevo libro: Culturas de archivo vol.2
Boletín nº 1: Memoria, identidad, identificación (edición digital)
Boletín nº 2: Fondos y nuevos documentos (edición digital)
¿Qué es Culturas de archivo? ¿Quiénes somos? ¿Cómo colaborar?
http://www.culturasdearchivo.org
Bruce Conner
DEVO
La obra de Bruce Conner revela la pesadilla del sueño americano. Bruce Conner nació en Kansas en 1933; en la década de los cincuenta llegó a San Francisco donde se vio envuelto en la marejada beat. Su trabajo se incluye en la estela del assemblage norteamericano.
People Like Us
People Like Us and Vicki Bennett.
For 16 years Vicki Bennett has been making CDs, radio, and A/V multimedia under the name People Like Us. Ever since she has been animating and recontextualising found footage collages with an equally witty and dark view of popular culture with a surrealistic edge, both pre-recorded and in a live setting. Vicki has shown work at, amongst others, Tate Modern, The National Film Theatre, Purcell Room, The ICA, Sydney Opera House, Pompidou Centre, Sonar in Barcelona and The Walker Art Center in Minneapolis. She has also performed radio sessions for BBC's John Peel, Mixing It, and also CBC, KPFA and does a regular radio show on WFMU.
Vicki just made a video triptych "Work, Rest & Play" (commissioned by Lovebytes) and released an album, "Perpetuum Mobile" with Ergo Phizmiz. She has just completed "Trying Things Out ", a film initiated in residency at the BBC Creative Archive and has been commissioned to make a new film entitled "Skew Gardens".
:
http://blogfiles.wfmu.org/KF/2007/07/plu/People_Like_Us_and_Ergo_Phizmiz_-_Social_Folk_Dance.mp3
http://www.peoplelikeus.org/
:http://blogfiles.wfmu.org/KF/2007/07/plu/People_Like_Us_and_Ergo_Phizmiz_-_Social_Folk_Dance.mp3
http://www.peoplelikeus.org/
LUXONLINE
LUXONLINE is a web resource for exploring British based artists’ film and video in-depth.Luxonline is the single most extensive publicly available resource devoted to British film and video artists. Streaming video clips, new writings, past articles and biographies provide a comprehensive contextual background to the artists featured on the site. Browse Luxonline’s unique content by artist, work title, or by exploring themes such as abstraction and installation. The site also features a historical timeline of key events in artists’ film and video from 1900- present day, and virtual tours created by leading curators and writers.LUXONLINE is a LUX project and complements LUX’s work as a national agency for artists’ moving image work.
http://www.luxonline.org.uk/
http://www.luxonline.org.uk/
The Freesound Project
The Freesound Project is a collaborative database of Creative Commons licensed sounds. Freesound focusses only on sound, not songs. This is what sets freesound apart from other splendid libraries like ccMixtersinDominio
Portal contrainformación. SinDominio busca construir un espacio en Internet que se administre horizontalmente y que sea de utilidad para la transformación social.
Entendemos que Sindominio establece vínculos discursivos entre diferentes planteamientos que se ampliarán en las charlas del taller; desde comportamientos relacionales, copyleft, etc. A alguien que no se encuentra familiarizado con estos conceptos puede ayudarle a obtener una mirada más amplia o simplemente a vincular estos conceptos.
Entendemos que Sindominio establece vínculos discursivos entre diferentes planteamientos que se ampliarán en las charlas del taller; desde comportamientos relacionales, copyleft, etc. A alguien que no se encuentra familiarizado con estos conceptos puede ayudarle a obtener una mirada más amplia o simplemente a vincular estos conceptos.
http://www.sindominio.net/faq.php3
Brócolis VHS
 A Brócolis VHS é uma produtora e distribuidora de vídeo independente que vem, desde 1998, realizando e exibindo trabalhos de curta duração em suas diversas modalidades: do trash ao documentário. Além de produzir, nosso objetivo é divulgar vídeos que tenham, como características principais, a busca por soluções criativas e experimentais utilizando recursos tecnológicos de baixíssimo custo. Deste modo, a proposta maior da Brócolis VHS é trazer ao público uma significativa parcela da vídeo-cultura que, não raras vezes, é excluída dos circuitos oficiais de exibição. Atualmente, nosso acer vo conta com cerca de 100 produções, entre vídeos próprios e de outros realizadores (nacionais e estrangeiros), além de vídeo-instalações. Obrigado ao Daniel Guiometi (Etê) pelo logo, aos amigos, festivais, atores, realizadores e todos àqueles que, de alguma forma, participam e apoiam o Video Homeless System. |
Video Data Bank
Founded in 1976 at the inception of the media arts movement, the Video Data Bank is the leading resource in the United States for videotapes by and about contemporary artists. The VDB collections feature innovative video work made by artists from an aesthetic, political or personal point of view. The collections include seminal works that, seen as a whole, describe the development of video as an art form originating in the late 1960's and continuing to the present. The videos in our collections employ innovative uses of form and technology mixed with original visual style to address contemporary art and cultural themes.
Through a national and international distribution service, the VDB makes video art, documentaries made by artists, and taped interviews with visual artists and critics available to a wide range of audiences.
This Video Data Bank is supported in part by an award from the National Endowment for the Arts, which believes that a great nation deserves great art, and the Illinois Arts Council, an agency of the state.
Through a national and international distribution service, the VDB makes video art, documentaries made by artists, and taped interviews with visual artists and critics available to a wide range of audiences.
This Video Data Bank is supported in part by an award from the National Endowment for the Arts, which believes that a great nation deserves great art, and the Illinois Arts Council, an agency of the state.
Video Data Bank
112 S. Michigan Ave.
Chicago, Il. 60603
Fax: 312.541.8073
Tel: 312.345.3550
info@vdb.org
http://www.vdb.org/
REWIND
REWIND is a research project that will provide a research resource that addresses the gap in historical knowledge of the evolution of electronic media arts in the UK, by investigating specifically the first two decades of artists’ works in video. There is a danger that many of these works may disappear because of their ephemeral nature and poor technical condition. The project will conserve and preserve them, and enable further scholarly activity.
http://www.rewind.ac.uk
"Copyleft Attitude" a pour objectif de faire connaitre et promouvoir la notion de copyleft dans le domaine de l'art et au delà. Prendre modèle sur les pratiques liées aux logiciels libres pour s'en inspirer et les adapter à la création hors logiciel. C'est la raison pour laquelle nous avons mis au point la Licence Art Libre.
Licence Art Libre 1.3 (LAL 1.3)
Préambule : Avec la Licence Art Libre, l'autorisation est donnée de copier, de diffuser et de transformer librement les oeuvres dans le respect des droits de l'auteur. Loin d'ignorer ces droits, la Licence Art Libre les reconnaît et les protège. Elle en reformule l'exercice en permettant à tout un chacun de faire un usage créatif des productions de l'esprit quels que soient leur genre et leur forme d'expression. Si, en règle générale, l'application du droit d'auteur conduit à restreindre l'accès aux oeuvres de l'esprit, la Licence Art Libre, au contraire, le favorise. L'intention est d'autoriser l'utilisation des ressources d'une oeuvre ; créer de nouvelles conditions de création pour amplifier les possibilités de création. La Licence Art Libre permet d'avoir jouissance des oeuvres tout en reconnaissant les droits et les responsabilités de chacun. Lire la licence en entier
http://artlibre.org/
Licence Art Libre 1.3 (LAL 1.3)
Préambule : Avec la Licence Art Libre, l'autorisation est donnée de copier, de diffuser et de transformer librement les oeuvres dans le respect des droits de l'auteur. Loin d'ignorer ces droits, la Licence Art Libre les reconnaît et les protège. Elle en reformule l'exercice en permettant à tout un chacun de faire un usage créatif des productions de l'esprit quels que soient leur genre et leur forme d'expression. Si, en règle générale, l'application du droit d'auteur conduit à restreindre l'accès aux oeuvres de l'esprit, la Licence Art Libre, au contraire, le favorise. L'intention est d'autoriser l'utilisation des ressources d'une oeuvre ; créer de nouvelles conditions de création pour amplifier les possibilités de création. La Licence Art Libre permet d'avoir jouissance des oeuvres tout en reconnaissant les droits et les responsabilités de chacun. Lire la licence en entier
http://artlibre.org/
Gabinete de crisis
GABINETE DE CRISIS
UN PROGRAMA DE TV QUE NO VERÁ EN TV
Las estaciones de radar fueron las primeras en tener indicios de su presencia y avisaron al punto al Gabinete de Crisis - una auténtica escuela profesional. Los miembros de éste observaron su avance en un planisferio cuadriculado. (La clave del éxito reside aquí también en el trabajo del especialista). Era imposible negarlo: aquello era ¡extraordinario!. Inmediatamente el Gabinete de Crisis se puso en acción para solucionar tal situación: ¡ El mundo estaba contaminado por una letal plaga de malestar general ! Los esbirros del Gabinete de Crisis - una auténtica escuela profesional - estaban dispuestos luchar contra los malos.
En sus orígenes, a principios del 2001, “Gabinete de Crisis” fue pensado como un programa televisivo de sátira o humor serio, encargo de Barcelona Televisió. Desafortunada o afortunadamente las políticas de lo correcto prevalecieron sobre nuestros intereses y el programa piloto fue censurado en repetidas ocasiones, consiguiendo sin embargo, casi clandestinamente y con la ayuda del entonces director de las ‘Nits Temàtiques’, Andrés Hispano (co-creador, por otro lado, del concepto original del programa), consiguiendo emitirse “G. de C. 1” en octubre del mismo año.
Para Gabinete de Crisis quedaban dos opciones:
1 -- buscar alguna otra cadena y seguir lidiando el juego del eso-me-piden-eso-les-damos.
2 -- exiliarse de las parrillas televisivas y convertirse en “Un programa de televisión que no verá en television”, colándose como líquido corrosivo por entre las grietas del entretenimiento establecido para continuar con su modesta misión esclarecedora.
2 -- exiliarse de las parrillas televisivas y convertirse en “Un programa de televisión que no verá en television”, colándose como líquido corrosivo por entre las grietas del entretenimiento establecido para continuar con su modesta misión esclarecedora.
12 vídeos de gabinete de crisis:
http://www.dailymotion.com/gabinete
http://www.gabinete.tk/BIBLIOGRAFÍA / TEXTOS / NOTAS DE INTERÉS
- Vídeo doméstico, bricolage electrónico Carlos Trigueros • ilustraciones: Menchina Ayuso. Artículo para la revista Acción Paralela #5. [16 de Septiembre 1999]
to remain the boss. As long as the process of collaboration is controlled and monetized, the relationship will always be one of forced cooperation. This book argues for Free Cooperation — an alternative way of doing things together, from parenting and the workplace to event organization and cultural production. Brian Holmes, Howard Rheingold, Christoph Spehr and the editors critique the dominant methods of socio-economic integration, and elaborate a practical alternative, one that promises to surmount both the problems of inequality and the lack of independence in daily life. The Art of Free Cooperation includes a DVD with a feature-length film collage, narrated by Tony Conrad, illustrating the principles of Free Cooperation through the visual language of science fiction movies, additional texts, interviews and highlights from the international “Free Cooperation” conference, organized by the editors, that led to this book. What they're saying about The Art of Free Cooperation: If capitalism is a vampire that feeds off living labor, what’s living labor anyway? This book provides a powerful answer: collective creativity. Yet somehow, as the authors note, no one ever studies collective creativity as a thing itself. If there was ever a book that deserves to kick off an entire literature, this is it.
— David Graeber, author of Toward an Anthropological Theory of Value In coupling two troubled words together, Lovink and Scholz open up a whole new terrain for reality hacking. Under this banner they have assembled a top mob who make their own rules and show you how to live by your own rules too. Essential reading for all the artists of making the impossible possible.
—McKenzie Wark, author of A Hacker Manifesto and Gamer Theory The Art of Free Cooperation explores viable alternatives to forced collaborations under the over-arching principle of competition proper to neo-liberal regimes. The irreducible sociality of economic production opens up the possibility of redesigning the social here and now, through an experimental practice which cannot wait for the day after the revolution.
Reinvigorating reading for those who dream (and practice) advanced exit strategies from the false choice between twentieth-century State-socialism and free market economics.
—Tiziana Terranova, author of Network Culture: Politics for the Digital Age
— David Graeber, author of Toward an Anthropological Theory of Value In coupling two troubled words together, Lovink and Scholz open up a whole new terrain for reality hacking. Under this banner they have assembled a top mob who make their own rules and show you how to live by your own rules too. Essential reading for all the artists of making the impossible possible.
—McKenzie Wark, author of A Hacker Manifesto and Gamer Theory The Art of Free Cooperation explores viable alternatives to forced collaborations under the over-arching principle of competition proper to neo-liberal regimes. The irreducible sociality of economic production opens up the possibility of redesigning the social here and now, through an experimental practice which cannot wait for the day after the revolution.
Reinvigorating reading for those who dream (and practice) advanced exit strategies from the false choice between twentieth-century State-socialism and free market economics.
—Tiziana Terranova, author of Network Culture: Politics for the Digital Age
-
ESTETICA RELACIONAL, Bourriaud, Nicolás. Adriana Hidalgo Ed. 2006
POSTPRODUCCIÓN, Bourriaud, Nicolás, Adriana Hidalgo, Ed.
- http://www.autonomedia.org/
- El documento videográfico: rematerialización e intertextualidad. Autores: Francisco Suárez García Localización: Plástica, imagen y educación : cursos I, II, III y IV / coord. por Esteban Tranche Fernández, 1996, ISBN 84-7719-541-2 , pags. 133-139
- Desvíos de lo real. El cine de no ficción. Antonio WEINRICHTER. Editor T&B EDITORES. ISBN-13 9788495602633. ISBN 8495602636
- La forma que piensa. Tentativas en torno al cine-ensayo. Antonio WEINRICHTER. Desmontaje, film, vídeo/Apropiación, reciclaje. Juan Guardiola (coord.). 1993D.L.V.741-1993.ISBN:84-482-0131-0. Editorial:IVAM/MNCARS/ARTELEKU/CGAI/KWWVF.
- El animal público.- Delgado, Manuel (1999) Barcelona: Anagrama.
- Guerra, Carles (2003) Després de la notícia. Documentals postmèdia. Barcelona: Centre de Cultura Contemporània de Barcelona i Diputació de Barcelona. [Texto en catalán, castellano e inglés].
- La representación de la realidad. Cuestiones y conceptos sobre el documental. Nichols, Bill (1997 [1991]). Barcelona: Paidós.
- "La política de la verdad. Documentalismo en el ámbito artístico" en 'Ficcions' documentals. Steyerl, Hito (2004) Págs. 22-22. Barcelona: Caixaforum. [Texto en catalán, castellano e inglés]
- Creación colectiva. Casacuberta, David (2003) .En Internet el creador es el público. Barcelona: Gedisa.
- Techniques of the Observer. On Vision and Modernity in the Nineteenth Century. Crary, Jonathan. (1999) Cambridge, MA y Londres: MIT Press. (1ªed. 1992).
- Digital Aesthetics. Cubitt, Sean (1998) Londres: SAGE.
- Velocidad de escape. La cibercultura en el final del siglo. Dery, Mark (1998) Madrid: Siruela.
- "Manifiesto para cyborgs: ciencia, tecnología y feminismo socialista a finales del siglo XX". En Ciencia, cyborgs y mujeres. La reinvención de la naturaleza. Haraway, Donna (1995) Madrid: Cátedra. (pp. 251-311). (1ª ed. 1991)
Microsiervos
Microsiervos en un weblog personal escrito por tres amigos, dedicado a todo lo que nos gusta e interesa, que comenzó a publicarse en 2003, aunque las primeras anotaciones provienen de 2001. Solemos describirlo como un blog de tecnología, divulgación científica o informática pero lo cierto es que es más complejo que todo eso: tiene anotaciones de humor, actualidad en Internet y otros temas muy variados que nos interesan a los autores, como la astronomía y la aviación, los juegos de azar, las leyendas urbanas, los gadgets, las grandes o pequeñas conspiraciones o los puzzles. También publicamos reseñas de libros y películas, algunas vivencias personales, de nuestros respectivos trabajos o de gente cercana, y cualquier otra cosa que nos apetece. Los autores nos autodenominamos «un grupo de geeks» o «locos por la tecnología». Hacemos este weblog porque nos gusta y nos diverte. Como es un blog personal está sujeto a todo tipo de limitaciones, sesgos y errores; los más evidentes son que que las anotaciones suelen incorporar apreciaciones personales, toques de humor a veces extraños o que el hecho de contar algo o hacerlo ameno y divertido impera sobre el rigor. Esto no es el New York Times, es un blog personal, y tiene todas esas ventajas y desventajas. No hay que tomárselo demasiado en serio. Si te interesa saber más sobre «cómo funciona Microsiervos» o ver algunas de las preguntas habituales que nos hacen los lectores, puedes consultar el FAQ sobre Microsiervos, Normas y Consejos que responde a las Preguntas Frecuentes.
http://www.microsiervos.com/
MONOGRAFICO.NET
MONOGRAFICO.NET
Monografico.net es una Revista Cultural, Gratuita y Coleccionable que desde 1987 publica colaboraciones de reconocidos autores nacionales e internacionales en los campos de Relatos Cortos, Historietas y Montajes Visuales siguiendo una línea editorial de humor y sátira.
Monografico.net es una Revista Cultural, Gratuita y Coleccionable que desde 1987 publica colaboraciones de reconocidos autores nacionales e internacionales en los campos de Relatos Cortos, Historietas y Montajes Visuales siguiendo una línea editorial de humor y sátira.
http://monografico.net/es/component/option,com_frontpage/Itemid,1/
Panorama ephemera
Panorama ephemera tiene 89:35 min. de duración.
PANORAMA EPHEMERA (made by Rick Prelinger, 2004, 89:35 min., color and black and white) is composed of sequences drawn from a wide variety of ephemeral (industrial, advertising, educational and amateur) films, touring conflicted North American landscapes. The films' often-skewed visions reconstruct a history filled with horror and hope, unreeling in familiar and unexpected ways.
PANORAMA EPHEMERA focuses on familiar and mythical activities and images in America (1626-1978). Its cast includes children, animals, farmers, industrial workers, superheroes, pioneers heading West, crash test dummies, and many others. Many creatures, objects, and substances that often seem too familiar to notice take center stage, including pigs, corn, water, telephones, fire, and rice. At first resembling a compilation, it soon reveals itself as a journey through American landscape and history, and the story begins to emerge between the sequences.
The film consists of 64 self-contained film sequences ranging from 5 seconds to 4 minutes in length arranged into a narrative. Unlike many films made using archival footage, it's primarily a combination of sequences rather than a collage of individual shots. While other found-footage or archival films speak as if in words, syllables or even phonemes, PANORAMA EPHEMERA speaks in sentences and paragraphs.
PANORAMA EPHEMERA focuses on familiar and mythical activities and images in America (1626-1978). Its cast includes children, animals, farmers, industrial workers, superheroes, pioneers heading West, crash test dummies, and many others. Many creatures, objects, and substances that often seem too familiar to notice take center stage, including pigs, corn, water, telephones, fire, and rice. At first resembling a compilation, it soon reveals itself as a journey through American landscape and history, and the story begins to emerge between the sequences.
The film consists of 64 self-contained film sequences ranging from 5 seconds to 4 minutes in length arranged into a narrative. Unlike many films made using archival footage, it's primarily a combination of sequences rather than a collage of individual shots. While other found-footage or archival films speak as if in words, syllables or even phonemes, PANORAMA EPHEMERA speaks in sentences and paragraphs.
A DVD-quality version of PANORAMA EPHEMERA may be downloaded at no cost from the Internet Archive: http://www.archive.org/about/javascript-required.htm
domingo, 21 de octubre de 2007
Margaret Herrick Library
Margaret Herrick LibraryFairbanks Center for Motion Picture Study
The Margaret Herrick Library collects a wide range of materials documenting film as both an art form and an industry. The library is supported through the Academy Foundation, the educational and cultural arm of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Although privately funded, the library is open to the public. One of the world's most extensive and comprehensive research collections on the subject of motion pictures, the library holds more than 32,000 books; 1,800 periodical titles; 60,000 screenplays; 200,000 clipping files; 30,000 posters; lobby cards, pressbooks and other advertising ephemera; over 8 million photographs; over 300 manuscript and other special collections relating to prominent industry individuals, studios and organizations; sheet music, music scores and sound recordings; production and costume sketches; artifacts; and oral histories. The Research Library, founded in 1928 and later named the Margaret Herrick Library after a former Academy librarian and long-time executive director, maintains a world-renowned, non-circulating reference and research collection devoted to the history and development of the motion picture as an art form and as an industry. It is regarded as one of the most complete collections of film-related materials ever assembled.
Margaret Herrick: http://www.oscars.org/mhl/biography.html
Library Director: Linda Harris Mehr
(310) 247-3000, extension 201
lmehr@oscars.org
The Margaret Herrick Library collects a wide range of materials documenting film as both an art form and an industry. The library is supported through the Academy Foundation, the educational and cultural arm of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Although privately funded, the library is open to the public. One of the world's most extensive and comprehensive research collections on the subject of motion pictures, the library holds more than 32,000 books; 1,800 periodical titles; 60,000 screenplays; 200,000 clipping files; 30,000 posters; lobby cards, pressbooks and other advertising ephemera; over 8 million photographs; over 300 manuscript and other special collections relating to prominent industry individuals, studios and organizations; sheet music, music scores and sound recordings; production and costume sketches; artifacts; and oral histories. The Research Library, founded in 1928 and later named the Margaret Herrick Library after a former Academy librarian and long-time executive director, maintains a world-renowned, non-circulating reference and research collection devoted to the history and development of the motion picture as an art form and as an industry. It is regarded as one of the most complete collections of film-related materials ever assembled.
Margaret Herrick: http://www.oscars.org/mhl/biography.html
Library Director: Linda Harris Mehr
(310) 247-3000, extension 201
lmehr@oscars.org
Ubu Web
UbuWeb is pleased to present dozens of avant-garde films & videos for your viewing pleasure. However, it is important to us that you realize that what you will see is in no way comparable to the experience of seeing these gems as they were intended to be seen: in a dark room, on a large screen, with a good sound system and, most importantly, with a roomful of warm, like-minded bodies.
However, we realize that the real thing isn't very easy to get to. Most of us don't live anywhere near theatres that show this kind of fare and very few of us can afford the hefty rental fees, not to mention the cumbersome equipment, to show these films. Thankfully, there is the internet which allows you to get a whiff of these films regardless of your geographical location.
We realize that the films we are presenting are of poor quality. It's not a bad thing; in fact, the best thing that can happen is that seeing a crummy shockwave file will make you want to make a trip to New York to the Anthology Film Archives or the Lux Cinema in London (or other places around the world showing similar fare). Next best case scenario will be that you will be enticed to purchase a high quality DVD from the noble folks trying to get these works out into the world. Believe me, they're not doing it for the money.
Please support these filmmakers and their distributors by purchasing their films. Please support the presenters of these works by going to see them in theatres whenever you can. We've complied a list of places where you can see them and buy them:
Distributors:
Founded in 1962 and located in New York City, The Film-Maker's Cooperative distributes more than 5,000 films in all gauges as well as videos:
www.film-makerscoop.com
Begun in 1961 as a screening series and established as a distributor in 1967, Canyon Cinema has more than 3500 films available for rent:
www.canyoncinema.com
The Canadian Filmmakers Distribution Centre (CFMDC) has been Canada's foremost non-commercial distributor of independent film since 1967:
www.cfmdc.org
The Lux Centre in London is the largest distributor of artist film in England and their site offers information about renting and buying films, as well as preservation tips for artists:
www.lux.org.uk
Founded in 1982 and located in Paris, Light Cone offers more than 2,300 films:
www.lightcone.org
Chicago's Video Data Bank has represented one of the major collections of video art in North America since 1976:
www.vdb.org
Established in 1971, Electronic Arts Intermix (EAI) represents 175 artists and offers for rent or for sale more than 3,000 works:
eai.org/eai
Re:Voir began selling high quality video copies of renowned avant-garde films in 1994 and is today the premiere international label for experimental film artists:
www.re-voir.com
www.usa.re-voir.com
However, we realize that the real thing isn't very easy to get to. Most of us don't live anywhere near theatres that show this kind of fare and very few of us can afford the hefty rental fees, not to mention the cumbersome equipment, to show these films. Thankfully, there is the internet which allows you to get a whiff of these films regardless of your geographical location.
We realize that the films we are presenting are of poor quality. It's not a bad thing; in fact, the best thing that can happen is that seeing a crummy shockwave file will make you want to make a trip to New York to the Anthology Film Archives or the Lux Cinema in London (or other places around the world showing similar fare). Next best case scenario will be that you will be enticed to purchase a high quality DVD from the noble folks trying to get these works out into the world. Believe me, they're not doing it for the money.
Please support these filmmakers and their distributors by purchasing their films. Please support the presenters of these works by going to see them in theatres whenever you can. We've complied a list of places where you can see them and buy them:
Distributors:
Founded in 1962 and located in New York City, The Film-Maker's Cooperative distributes more than 5,000 films in all gauges as well as videos:
www.film-makerscoop.com
Begun in 1961 as a screening series and established as a distributor in 1967, Canyon Cinema has more than 3500 films available for rent:
www.canyoncinema.com
The Canadian Filmmakers Distribution Centre (CFMDC) has been Canada's foremost non-commercial distributor of independent film since 1967:
www.cfmdc.org
The Lux Centre in London is the largest distributor of artist film in England and their site offers information about renting and buying films, as well as preservation tips for artists:
www.lux.org.uk
Founded in 1982 and located in Paris, Light Cone offers more than 2,300 films:
www.lightcone.org
Chicago's Video Data Bank has represented one of the major collections of video art in North America since 1976:
www.vdb.org
Established in 1971, Electronic Arts Intermix (EAI) represents 175 artists and offers for rent or for sale more than 3,000 works:
eai.org/eai
Re:Voir began selling high quality video copies of renowned avant-garde films in 1994 and is today the premiere international label for experimental film artists:
www.re-voir.com
www.usa.re-voir.com
The National Film Preservation Foundation (NFPF)
The National Film Preservation Foundation (NFPF) is the nonprofit organization created by the U.S. Congress to help save America's film heritage. We support activities nationwide that preserve American films and improve film access for study, education, and exhibition. The NFPF started operations in November 1997, thanks to the generous support of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences and The Film Foundation. Many in the entertainment and foundation community have pitched in to help. Our top priority is saving American films that would be unlikely to survive without public support. Over the past eight years, we have developed grant programs to help libraries, museums, and archives preserve films and make them available for study and research. Our grants award federal funds secured through the leadership of the Library of Congress and preservation services donated by public-spirited laboratories and post-production houses. We also organize, obtain funding, and manage cooperative projects that enable film archives—large and small—to work together on national preservation initiatives. Published through these collaborations are the first-ever DVD set of film treasures preserved by Americans archives (2000), a new critically acclaimed 3-DVD box set of films from the first four decades of the motion picture, The Film Preservation Guide: The Basics for Archives, Libraries, and Museums (2004), and the international database for locating silent films. In the fall of 2005 we will begin work on The Industrial and Institutional Films: A Field Guide.gettyimages
Getty Images creates and distributes the world's best and broadest imagery collections, making them available in the most accessible and usable way -- 24 hours a day, every day. From contemporary creative imagery to news, sports, entertainment and archival imagery, our products are found each day in the full range of traditional and digital media worldwide.
Mark Getty and Jonathan Klein founded Getty Images in 1995 with the goal of turning a disjointed and fragmented stock photography market into a thriving, modernized industry able to meet the changing needs of visual communicators. We were the first company to license imagery via the web, moving the entire industry online.
Today, gettyimages.com serves an average of 3.2 billion thumbnails, 7.3 million visits and 4 million unique users in addition to an average of 175 million page views each month. Nearly 100 percent of the company’s visual content is delivered digitally.
The company frequently receives industry recognition for both its photography and its business accomplishments. In 2005, American Photo Magazine acknowledged the company’s commitment to the photography industry, naming Getty Images’ co-founders Jonathan Klein and Mark Getty as number one of “The 100 Most Important People in Photography."
Mark Getty and Jonathan Klein founded Getty Images in 1995 with the goal of turning a disjointed and fragmented stock photography market into a thriving, modernized industry able to meet the changing needs of visual communicators. We were the first company to license imagery via the web, moving the entire industry online.
Today, gettyimages.com serves an average of 3.2 billion thumbnails, 7.3 million visits and 4 million unique users in addition to an average of 175 million page views each month. Nearly 100 percent of the company’s visual content is delivered digitally.
The company frequently receives industry recognition for both its photography and its business accomplishments. In 2005, American Photo Magazine acknowledged the company’s commitment to the photography industry, naming Getty Images’ co-founders Jonathan Klein and Mark Getty as number one of “The 100 Most Important People in Photography."
http://www.gettyimages.com/Footage/FootageHome.aspx?country=usa&brandid=14
The Library of Congress
The Library of Congress began collecting motion pictures in 1893 when Thomas Edison and his brilliant assistant W.K.L. Dickson deposited the Edison Kinetoscopic Records for copyright. However, because of the difficulty of safely storing the flammable nitrate film used at the time, the Library retained only the descriptive material relating to motion pictures. In 1942, recognizing the importance of motion pictures and the need to preserve them as a historical record, the Library began the collection of the films themselves. From 1949 on these included films made for television. Today the Motion Picture, Broadcasting and Recorded Sound Division (MBRS) has responsibility for the acquisition, cataloging and preservation of the motion picture and television collections. The Division operates the Motion Picture and Television Reading Room to provide access and information services to an international community of film and television professionals, archivists, scholars and researchers.
ARCHIVE.ORG
The Internet Archive is building a digital library of Internet sites and other cultural artifacts in digital form. Like a paper library, we provide free access to researchers, historians, scholars, and the general public.
Prelinger Archives
Prelinger Archives was founded in 1983 by Rick Prelinger in New York City. Over the next twenty years, it grew into a collection of over 60,000 "ephemeral" (advertising, educational, industrial, and amateur) films. In 2002, the film collection was acquired by the Library of Congress, Motion Picture, Broadcasting and Recorded Sound Division. Prelinger Archives remains in existence, holding approximately 4,000 titles on videotape and a smaller collection of film materials acquired subsequent to the Library of Congress transaction. Its goal remains to collect, preserve, and facilitate access to films of historic significance that haven't been collected elsewhere. Included are films produced by and for many hundreds of important US corporations, nonprofit organizations, trade associations, community and interest groups, and educational institutions. Getty Images represents the collection for stock footage sale, and almost 2,000 key titles are available here. As a whole, the collection currently contains over 10% of the total production of ephemeral films between 1927 and 1987, and it may be the most complete and varied collection in existence of films from these poorly preserved genres. The Field Guide to Sponsored Films by Rick Prelinger was published by the National Film Preservation Foundation in January 2007. It describes 452 historically or culturally significant motion pictures commissioned by businesses, charities, advocacy groups, and state or local government units between 1897 and 1980. The annotated filmography features repository information for some 350 titles as well as links to works viewable online. Also included are an introductory essay and name and subject indexes. The book is recommended for all interested in the history of advertising, industrial and sponsored films.http://www.archive.org/details/prelinger
Bill Morrison
Bill Morrison en Buenos Aires
Para cuando el artista neoyorquino Bill Morrison comenzó a hacer películas, una etapa bien definida de la historia del cine experimental de esa ciudad estaba prácticamente terminada. Lo que había estallado a fines de los ’50 y se expandía sorprendentemente durante los ’60 y (ya en menor medida) los ’70, llegaba a un punto casi muerto hacia fines de la década siguiente. El 3 de octubre de 1989, J. Hoberman escribía en el Village Voice, a raíz de la muerte de Jack Smith, “De hecho, ese centro de objetos inutilizados es algo que Jack Smith creó aquí, en esta ciudad, desde fines de los ’50 hasta este último lunes (…) Realmente creo que su muerte marca en fin de una era – para todos aquellos que lo conocieron y también para Nueva York”. Simbólicamente, esta muerte de quien fuera, un poco retrospectivamente, el más polémico y sufrido artista multidisciplinario de NYC de la segunda mitad del siglo XX evidenció un cambio radical en las condiciones de producción. Era el principio del fin de la idea de independencia artística total, de cooperativas dirigidas por y para cineastas, de comunidad underground, etc.
No es casual, entonces, que los verdaderos primeros trabajos de la obra cinematográfica de Bill Morrison hayan sido proyectados dentro de una sala de teatro, simultáneamente a las interpretaciones de los actores de la compañía Ridge Theater, y no en una función clandestina de medianoche en uno de los cines de la calle 42 como era costumbre 30 años atrás. Artista interdisciplinario, sus objetos audiovisuales han desarrollado una presencia cada vez más fuerte –y específicamente cinematográfica- con el correr del tiempo. Desde sus primeros ejercicios formales pensados, tal vez, como acompañamientos de lo representado en el escenario -entre los que se encuentran Night Highway (1990), Lost Avenues (1991) y Photo Op (1992)- hasta la deslumbrante Footprints (1992), en la cual entran en juego estructuras más complejas y un tratamiento físico de las imágenes estrechamente vinculado a la corriente más extrema del found footage (Jürgen Reble, David Rimmer, Mark Street).
Pero será con The Death Train (1993) que comenzará la línea que atravesará prácticamente toda su producción siguiente: la referencia al aparato cinematográfico, a sus orígenes, a su fragilidad. A partir de este film, que entrelaza imágenes de películas científicas acerca del funcionamiento de cámaras y diferentes dispositivos de registro de imágenes en movimiento con el recorrido de un tren casi fantasmal (aquel ‘tren de sombras’ que describió Máximo Gorki luego de su primer experiencia cinematográfica), todo el universo de Bill Morrison reflexionará sobre esto. De ahí su severo uso y rearticulación de material de archivo. Ya sea bajo estructuras narrativas y documentales (The World Is Round, 1994; The Film of Her, 1996), ensayísticas (Trinity, 2000) o puramente reflexivas (Decasia, 2002; Light Is Calling, 2004; The Highwater Trilogy, 2006). Dentro de una sala de cine o en medio de una obra de teatro, a través de imágenes propias o de miles de metros de material en nitrato descompuesto, Bill Morrison parece preguntarse persistentemente ¿qué es el cine? Consciente de que detrás de toda insistencia existe, a su vez, una resistencia.
No es casual, entonces, que los verdaderos primeros trabajos de la obra cinematográfica de Bill Morrison hayan sido proyectados dentro de una sala de teatro, simultáneamente a las interpretaciones de los actores de la compañía Ridge Theater, y no en una función clandestina de medianoche en uno de los cines de la calle 42 como era costumbre 30 años atrás. Artista interdisciplinario, sus objetos audiovisuales han desarrollado una presencia cada vez más fuerte –y específicamente cinematográfica- con el correr del tiempo. Desde sus primeros ejercicios formales pensados, tal vez, como acompañamientos de lo representado en el escenario -entre los que se encuentran Night Highway (1990), Lost Avenues (1991) y Photo Op (1992)- hasta la deslumbrante Footprints (1992), en la cual entran en juego estructuras más complejas y un tratamiento físico de las imágenes estrechamente vinculado a la corriente más extrema del found footage (Jürgen Reble, David Rimmer, Mark Street).
Pero será con The Death Train (1993) que comenzará la línea que atravesará prácticamente toda su producción siguiente: la referencia al aparato cinematográfico, a sus orígenes, a su fragilidad. A partir de este film, que entrelaza imágenes de películas científicas acerca del funcionamiento de cámaras y diferentes dispositivos de registro de imágenes en movimiento con el recorrido de un tren casi fantasmal (aquel ‘tren de sombras’ que describió Máximo Gorki luego de su primer experiencia cinematográfica), todo el universo de Bill Morrison reflexionará sobre esto. De ahí su severo uso y rearticulación de material de archivo. Ya sea bajo estructuras narrativas y documentales (The World Is Round, 1994; The Film of Her, 1996), ensayísticas (Trinity, 2000) o puramente reflexivas (Decasia, 2002; Light Is Calling, 2004; The Highwater Trilogy, 2006). Dentro de una sala de cine o en medio de una obra de teatro, a través de imágenes propias o de miles de metros de material en nitrato descompuesto, Bill Morrison parece preguntarse persistentemente ¿qué es el cine? Consciente de que detrás de toda insistencia existe, a su vez, una resistencia.
[En las fotos, Decasia (x2) y The Highwater Trilogy, de Bill Morrison.]
David Rimmer
Found Footage - David Rimmer
Extractos de una entrevista al canadiense David Rimmer realizada por el crítico y académico norteamericano radicado en Canadá William C. Wees y publicada originalmente en el libro/catálogo Recycled Images. The Art and Politics of Found Footage Films (1993, Anthology Film Archives, New York City).
[Hacia fines de los 60] Estuve asociado con el grupo Intermedia en Vancouver. El National Film Board nos había dado dos cajas con películas viejas. Entonces comenzé a revisarlas, también en esa época hacíamos eventos performáticos con proyecciones fílmicas, música, danza. Y yo acostumbraba a tomar un poco de estas imágenes de archivo y loopearlas y projectarlas durante las performances. Variations On A Cellophane Wrapper comenzó como parte de una performance en la que recuerdo que tenía cuatro proyectores, cada uno con el mismo loop, y yo iba poniendo gelatinas de colores sobre el lente y jugando, hasta que pensé por qué no transformarlo en una película y así comenzé a trabajarlo hasta conseguir la película que existe hoy. Simplemente me interesé, pienso que estaba un poco fascinado con todo este viejo metraje. También realizé Surfacing on the Thames y The Dance en esá misma época, ambas con material de archivo. Desde entonces estoy en la búsqueda de material, coleccionándolo y robándolo.
Soy un editor. Me encanta esa parte en la que comienza a tener sentido. Pero la mayoría de las veces pienso que es mi material debido a como lo retrabajo, ya sea a través de la optical printer o lo que sea que haga. Ya no es simplemente material ajeno. Y tampoco me siento culpable manipulando las imágenes de otra persona, en especial cuando son tan antiguas, no me molesta.
Parte de mi trabajo tiene que ver con una crítica o deconstrucción de la imagen, pero con suerte en una forma más poética que didáctica. Porque no quiero simplemente deconstruirla, quiero transformarla en otra cosa. Eso es lo que busco en cierto tipo de trabajo: una apreciación de las cosas viejas. Me gustan las cosas viejas.
Montréal
19 de septiembre de 1991
En Buenos Aires se pudieron ver sus películas Surfacing on the Thames -un ejercicio en la expansión de la duración de una antigua vista, de los 5 pies originales hasta los 250, a través del uso del single frame- y Bricolage -otro notable trabajo en la circularidad (loop) de una escena de una película de ficción en la cual la imagen mantiene su ritmo mientras el sonido se desfasa lentamente hasta evidenciar un significado oculto hasta el momento- en el ciclo 'Imagen en Trance' realizado en el Centro Cultural Ricardo Rojas.
Surfacing on the Thames se puede descargar y ver directamente aquí:
http://www.ubu.com/film/rimmer.html
Un estudio de Al Razutis sobre su obra disponible aquí. [En las fotos, Bricolage y Codes of Conduct de David Rimmer]
[Hacia fines de los 60] Estuve asociado con el grupo Intermedia en Vancouver. El National Film Board nos había dado dos cajas con películas viejas. Entonces comenzé a revisarlas, también en esa época hacíamos eventos performáticos con proyecciones fílmicas, música, danza. Y yo acostumbraba a tomar un poco de estas imágenes de archivo y loopearlas y projectarlas durante las performances. Variations On A Cellophane Wrapper comenzó como parte de una performance en la que recuerdo que tenía cuatro proyectores, cada uno con el mismo loop, y yo iba poniendo gelatinas de colores sobre el lente y jugando, hasta que pensé por qué no transformarlo en una película y así comenzé a trabajarlo hasta conseguir la película que existe hoy. Simplemente me interesé, pienso que estaba un poco fascinado con todo este viejo metraje. También realizé Surfacing on the Thames y The Dance en esá misma época, ambas con material de archivo. Desde entonces estoy en la búsqueda de material, coleccionándolo y robándolo.
Soy un editor. Me encanta esa parte en la que comienza a tener sentido. Pero la mayoría de las veces pienso que es mi material debido a como lo retrabajo, ya sea a través de la optical printer o lo que sea que haga. Ya no es simplemente material ajeno. Y tampoco me siento culpable manipulando las imágenes de otra persona, en especial cuando son tan antiguas, no me molesta.
Parte de mi trabajo tiene que ver con una crítica o deconstrucción de la imagen, pero con suerte en una forma más poética que didáctica. Porque no quiero simplemente deconstruirla, quiero transformarla en otra cosa. Eso es lo que busco en cierto tipo de trabajo: una apreciación de las cosas viejas. Me gustan las cosas viejas.
Montréal
19 de septiembre de 1991
En Buenos Aires se pudieron ver sus películas Surfacing on the Thames -un ejercicio en la expansión de la duración de una antigua vista, de los 5 pies originales hasta los 250, a través del uso del single frame- y Bricolage -otro notable trabajo en la circularidad (loop) de una escena de una película de ficción en la cual la imagen mantiene su ritmo mientras el sonido se desfasa lentamente hasta evidenciar un significado oculto hasta el momento- en el ciclo 'Imagen en Trance' realizado en el Centro Cultural Ricardo Rojas.
Surfacing on the Thames se puede descargar y ver directamente aquí:
http://www.ubu.com/film/rimmer.html
Un estudio de Al Razutis sobre su obra disponible aquí. [En las fotos, Bricolage y Codes of Conduct de David Rimmer]
Craig Baldwin
Found Footage - Craig Baldwin
Extractos de una entrevista al cineasta norteamericano y fundador de Other Cinema -espacio dedicado a la exhibición y edición en DVD de películas inusuales- Craig Baldwin, realizada por William C. Wees y publicada en su Recycled Images. The Art and Politics of Found Footage Films (1993, Anthology Film Archives, New York City).
Creo que descubrirás que muchos de los cineastas de la generación joven, los contemporáneos, han leído mucha teoría. Ese no es mi caso. Soy más lo que llamo un cineasta de garage. Empobrecido. Make-do. Del bricolage y esta idea del culto al lote de mercadería de la que siempre hablo. Aquí estamos en las ruinas de la cultura post-industrial y existe todo este valor en estos planos descartados y estos comerciales viejos y avances cinematográficos y demás, solo trato de resucitarlos y reinvertirlos con nuevos significados. De la misma manera que alguien en Nueva Guinea, o algún otro lugar, trata de adorar a un avión o algo.Sabés, simpatizo con muchas de las justificaciones teóricas, pero mi aproximación al cine de metraje encontrado no fue ingenua sino natural, ya que trabajé durante muchos años en el negocio del cine. No hice porno pero trabajé en salas de cines porno. Bueno, las salas de Market Street, que significan exploitation o cine de clase B o cine de género. Simplemente me encantan. Miraba estas películas una y otra y otra vez desde tres pies de distancia. Totalmente libre de desconciertos. Sabía lo que era el cine: era una pieza de imágen, eso, químicos sobre celuloide. Tenía una aproximación mucho más plástica, de collage, y jugaba y bromeaba con eso, cortando y pegando. También hago collages sobre papel. De modo que mi abordaje tuvo que ver con mi situación empobrecida o marginal en el mundo artístico.* * *Hay una dimensión política cuando tomás las imágenes de las corporaciones mediáticas y las enfrentás a ellas mismas. De manera que tengo una afinidad con esa justificación: es una manera de declaración política. Es subversiva. Siempre fuí activista político, es parte del movimiento underground. Vés, quiero reinstaurar el término 'movimiento underground'. Ya no se habla más del underground. Se dice "bueno, esto es vanguardia", lo cual no tiene sentido, incluso menos que "experimental". Pienso que la totalidad del mundo artístico ha sido recuperado por la academía -con sus disculpas- y ha perdido su filo.Me gustan las películas que expresan una subcultura que rechaza y niega esta especie de estandarización de la percepción y la comercialización de la cultura. Es un arte de desafío. Tomás, robás, como sea que obtengas sus imágenes, y las enfrentás con ellas mismas. Me refiero a que hay imágenes por todos lados. Caminás por la calle y están ahí, los carteles, los costados de los colectivos, los graffitis, los panfletos debajo de tus pies. No hay que irse lejos, somos bombardeados de imágenes. Por supuesto que, entonces, vamos a decir "tengo el poder de darle forma a algo de esto, hacer un comentario, revertirlo". Es la justica definitiva.* * *La línea final es probablemente mi status empobrecido, rebajado, marginalizado. Quiero decir, pienso en hacer películas. No tengo el dinero realmente. Me gustaría conseguir una beca. Seguro. Pero, como sabes, técnicamente hago todo mal. Prefiero hacer algo contra la corriente y oponerme al mercado corporativo, pero también al mundo del arte. Si tengo la posibilidad de trabajar con la gente del mundo artístico, bien, lo hago. Pero mis películas son crudas. Feas. Son así, ruidosas. Son así, llenas de disonancías y texturas. Una actitud contra la corriente. Sarcasmo. Un rechazo a cierto tipo de esteticismo.Más tarde son estetizadas por los críticos, académicos o lo que sea. Las extraen del mundo real y las colocan en un marco y hablan de ellas teóricamente. No tengo problemas con eso. Pero personalmente, trabajo con la comunidad. Vivo alrededor de un gran grupo de personas. Cientos de personas concurren a mis exhibiciones. Exhibo en cualquier tipo de lugares. No pienso solamente en galerías. Exhibo en clubs. En espacios alternativos. Exhibo para un montón de gente enojada. Gente harta de las corporaciones mediáticas, gente que sabe que no hace falta ir a la escuela de arte para aprender algo. De modo que es más como una cosa cruda, de arrancarle el corazón al monstruo. Más cercana al activismo político. Underground. De nuevo, un movimiento o subcultura alternativa que no trata de ser aceptada por la burguesía siendo buenos artistas y cuidando sus modales, sino que contesta, es sarcástica, con actitud, roba tus imágenes y todo eso. Actitud punk.San Francisco, 20 de mayo de 1991.
Tribulation 99: Alien Anomalies Under America: Una narración en off nos advierte y ofrece una detalladísima crónica de una supuesta invasión extraterrestre y su papel en las revoluciones, enigmas, complots entre gobiernos y desastres naturales del último siglo. Delante de nuestro ojos, en la pantalla, un montaje (término nunca tan oportuno) de segmentos de películas de terror, ciencia ficción, documentales, dibujos animados, educacionales, noticieros y comerciales. Craig Baldwin creó este divertido frankenstein cinematográfico que es al mismo tiempo una sátira conspirativa de la política interna y externa de los Estados Unidos, un verdadero trabajo de arqueología fílmica y un pilar en la tradición estética experimental de metraje encontrado. Una obra maestra del cine independiente norteamericano de los últimos 15 años. (P.Marín) Tribulation 99 se pudo ver en Buenos Aires durante el 8º Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (2006), bajo el foco 'Estados Unidos: un recorrido independiente'.
(En las fotos, Spectres of the Spectrum y Tribulation 99 de Craig Baldwin.)
http://laregioncentral.blogspot.com/2006/08/found-footage-craig-baldwin.html
Jürgen Reble
Exponente de las más extremas técnicas de found footage, a continuación una selección de las declaraciones del alemán Jürgen Reble, compiladas en el catálogo Found Footage Films, editado por Cecilia Hausheer y Christoph Settele (Viper 1992, CH-Luzern).
"Entré en contacto con el found footage en 1984 a través del film Stadt in Flammen. En esa época estaba trabajando con el grupo Schmelzdahin. Por curiosidad e interés cinemático coleccionábamos todo tipo de películas en Super 8. Desde películas caseras de nuestros abuelos hasta películas de adultos y desde películas de acción hasta clásicos, uno podía literalmente conseguir cualquier cosa. Además estos películas eran todavía más baratas que el material virgen. Vi Stadt in Flammen solo una vez, de hecho era una completa porquería. Por aquellos días analizábamos los procesos bacteriales y de desgaste por la acción atmosférica sobre material fílmico. De modo que arrojé esa copia en un rincón húmedo de mi jardín luego de haberla pasado a través de la máquina de coser. Medio año más tarde, luego de haberme olvidado completamente de la película, la encontré por casualidad. Las capas de color se habían desgarrado y habían sido comidas por bacterías hasta que los colores quedaron todos mezclados, lo que me gustó bastante. Realizé una selección del material y lo copié en la Optical Printer. Pero la lámpara del projector estaba tan caliente que algunos de los fotogramas se quemaron. Entonces hice cuatro copias de cada fotograma. Ninguna era similar a la otra. En la copia final parece como si la película estuviese latiendo."
La conservación de films es rechazada en su totalidad en favor de un singular acto de sacrificio. Existe una necesidad esencial de recuperar al cine como un evento en un tiempo en el que el ojo es superado por imágenes sin sentido. Es un poco como volver a la excitación que el cine produjo en su etapa inicial. Mi trabajo reciente, que he realizado desde que de dejé al grupo Schmelzdahin, no solo trata sobre la desintegración del material fílmico sino también sobre su refinamiento. Trato a las imágenes con químicos hasta que obtienen una cualidad editable. Por otra parte, las 'nuevas' imágenes computarizadas son desafiantes. Para mi nueva película Das goldene Tor copié imágenes computarizadas en fílmico y luego las descompuse con químicos. Así, uno puede reanimar imágenes sin vida. Pero también las viejas imágenes están lejos de estar gastadas. Los cambios en la calidad y edición pueden dar nuevos significados a estas viejas imágenes que no tengan nada en común con su significado original.
"Entré en contacto con el found footage en 1984 a través del film Stadt in Flammen. En esa época estaba trabajando con el grupo Schmelzdahin. Por curiosidad e interés cinemático coleccionábamos todo tipo de películas en Super 8. Desde películas caseras de nuestros abuelos hasta películas de adultos y desde películas de acción hasta clásicos, uno podía literalmente conseguir cualquier cosa. Además estos películas eran todavía más baratas que el material virgen. Vi Stadt in Flammen solo una vez, de hecho era una completa porquería. Por aquellos días analizábamos los procesos bacteriales y de desgaste por la acción atmosférica sobre material fílmico. De modo que arrojé esa copia en un rincón húmedo de mi jardín luego de haberla pasado a través de la máquina de coser. Medio año más tarde, luego de haberme olvidado completamente de la película, la encontré por casualidad. Las capas de color se habían desgarrado y habían sido comidas por bacterías hasta que los colores quedaron todos mezclados, lo que me gustó bastante. Realizé una selección del material y lo copié en la Optical Printer. Pero la lámpara del projector estaba tan caliente que algunos de los fotogramas se quemaron. Entonces hice cuatro copias de cada fotograma. Ninguna era similar a la otra. En la copia final parece como si la película estuviese latiendo."
La conservación de films es rechazada en su totalidad en favor de un singular acto de sacrificio. Existe una necesidad esencial de recuperar al cine como un evento en un tiempo en el que el ojo es superado por imágenes sin sentido. Es un poco como volver a la excitación que el cine produjo en su etapa inicial. Mi trabajo reciente, que he realizado desde que de dejé al grupo Schmelzdahin, no solo trata sobre la desintegración del material fílmico sino también sobre su refinamiento. Trato a las imágenes con químicos hasta que obtienen una cualidad editable. Por otra parte, las 'nuevas' imágenes computarizadas son desafiantes. Para mi nueva película Das goldene Tor copié imágenes computarizadas en fílmico y luego las descompuse con químicos. Así, uno puede reanimar imágenes sin vida. Pero también las viejas imágenes están lejos de estar gastadas. Los cambios en la calidad y edición pueden dar nuevos significados a estas viejas imágenes que no tengan nada en común con su significado original.
[En las fotos: Stadt in Flammen y Zillertal de Jürgen Reble.]
http://laregioncentral.blogspot.com/2006/10/found-footage-jrgen-reble-exponente-de.html
Samplear la cultura ahora
Samplear la cultura ahora (Tate Modern –Noviembre 2007)
Sample Culture Now:
Featuring five leading artists and theorists in the field of contemporary sample culture, this symposium will mix talks, discussions and performances to investigate the practice of sampling, an emerging form of art practice where artists cannibalize fragments of sound, image, music, dance and performance to create new spaces of possibility. Participants will include sound-artist and cultural collagist Vicki Bennett (aka People Like Us), German art and music theorist Diedrich Diederichsen, cultural critic Kodwo Eshun, and artists Mark Leckey and Christian Marclay. (…extract from the programme: “Since the advent of collage in the early twentieth century artists have sought to reprocess cultural residue from the past to create new systems of representation. Whereas much of the discourse around sampling still relies on theories of appropriation developed twenty years ago, sampling can be distinguished as a distinct aesthetic strategy, and one more relevant to many cultural practices today. Sampling both quotes and challenges notions of authorship, originality, and intellectual property, while creating new narratives and new ways of reactivating the archive of art, and representing the everyday”.)
Featuring five leading artists and theorists in the field of contemporary sample culture, this symposium will mix talks, discussions and performances to investigate the practice of sampling, an emerging form of art practice where artists cannibalize fragments of sound, image, music, dance and performance to create new spaces of possibility. Participants will include sound-artist and cultural collagist Vicki Bennett (aka People Like Us), German art and music theorist Diedrich Diederichsen, cultural critic Kodwo Eshun, and artists Mark Leckey and Christian Marclay. (…extract from the programme: “Since the advent of collage in the early twentieth century artists have sought to reprocess cultural residue from the past to create new systems of representation. Whereas much of the discourse around sampling still relies on theories of appropriation developed twenty years ago, sampling can be distinguished as a distinct aesthetic strategy, and one more relevant to many cultural practices today. Sampling both quotes and challenges notions of authorship, originality, and intellectual property, while creating new narratives and new ways of reactivating the archive of art, and representing the everyday”.)
Nedko Solakov (Bulgaria, 1957) y Emily Jacir (Ammán, Jordania, 1970)
*Nedko Solakov (Bulgaria, 1957) sobre la disputa entre Rusia y Bulgaria por la propiedad intelectual del fusil AK-47.
Marchantes de armas
La Bienal de Venecia premia a tres polémicos creadores que emplean la violencia política como metáfora
Catalina Serra - Barcelona - 18/10/2007- elpais.com
Con el tiempo, ha sido posible escribir poesía después de Auschwitz, pero la violencia del pasado siglo ha hecho mella en los espíritus y roto en mil pedazos la torre de cristal de los artistas, obligados ahora a crear a la intemperie. En muchos casos, la política ha dejado de ser un tema para convertirse en el objetivo principal de unas obras que intentan abrirse paso en la conciencia del público. Y lo hacen con denuncias claras o metafóricas de la violencia y las contradicciones de un sistema que seguramente preferiría que se mantuvieran encerrados en su torre. Aunque hubiera que reconstruirla con plexiglás. Solakov investiga el conflicto de propiedad intelectual del fusil de asalto AK-47 Ferrari, con sus obras iconoclastas, y la palestina Emily Jacir ganan el León de Oro En la Bienal de Venecia abundan las obras políticas -basta recordar el escalofriante vídeo de Paolo Canevari en el que un adolescente juega al fútbol con una calavera en el escenario desolado de las ruinas del bombardeado cuartel general del ejército serbio en Belgrado- y ha sido precisamente esta línea la que acaba de alzarse con los principales premios, que se concedieron ayer, La investigación que realizó, por ejemplo, Nedko Solakov (Bulgaria, 1957) sobre la disputa entre Rusia y Bulgaria por la propiedad intelectual del fusil AK-47 tiene una faceta periodística evidente. Se han vendido millones de ejemplares del tenebroso invento de Mijaíl Kaláshnikov, pero naturalmente él nunca cobró royalties y tampoco hay una patente internacional registrada que permita dirimir en los tribunales el conflicto entre los rusos (que exigen a Bulgaria que deje de fabricarlo por considerar que la patente es suya) y los búlgaros, que empezaron a fabricarlo cuando la extinta Unión Soviética les cedió los planos y tecnología para hacerlo en los viejos tiempos socialistas.Solakov, que ha obtenido una mención de honor por esta instalación que "ha sorprendido al jurado por su contenido", utilizaba vídeos, textos, objetos y mapas para explicar, con una aparente objetividad no exenta de ironía, la fascinante historia de cómo intentó, infructuosamente, conocer la versión de las dos partes enfrentadas. Sólo consiguió declaraciones de la parte búlgara, pero su proceso de investigación, que es el objeto principal de la instalación, ya da suficiente juego como para enganchar al espectador ante una historia que pone en cuestión el tema de la propiedad intelectual en un producto tan poco intelectual como las armas.El León de Oro a un artista menor de 40 años ha recaído en la palestina Emily Jacir (Ammán, Jordania, 1970) por una obra que también tiene mucho de investigación periodística o documental. En su caso -como el título, Material for a film, ya adelanta- se acercaría más a una película documental "expandida" (adjetivo de moda ahora para calificar estas obras casi fílmicas que se desarrollan espacialmente con fotografías, proyecciones y documentos) cuyo protagonista es el poeta palestino y miembro de Al Fatah Wael Zuaiter, abatido a tiros por un comando israelí en Roma el 16 de octubre de 1972 en el marco de las represalias, indiscriminadas, contra intelectuales palestinos tras los atentados de los Juegos Olímpicos de Múnich. La instalación ocupa varias estancias y recoge postales, cartas, fotografías, libros, filmaciones y documentos sonoros que en conjunto ofrecen una visión caleidoscópica de la vida personal y la ideología del intelectual palestino exiliado.Dos obras con una fuerte carga política que dan cuenta del interés que muchos jóvenes artistas tienen por la realidad más inmediata, especialmente los que provienen de países o culturas consideradas "periféricas", es decir, fuera del elitista y autorreferencial mercado artístico occidental.Pero, es evidente, se trata de una línea de trabajo que no es nueva y lo demuestra el León de Oro concedido al veterano y polémico artista argentino León Ferrari (Buenos Aires, 1920). Su famoso Cristo crucificado sobre un caza americano -la pieza lleva por título La civilización occidental y cristiana y pese a que pueda parecer actual se remonta a 1965- ha estado colgado estos días en el Arsenal (una de las dos sedes de la exposición internacional de la Bienal) acompañado de otras obras históricas del artista en las que también arremete de forma directa contra la Iglesia católica por su pasado de inquisiciones y colaboracionismo con regímenes fascistas. Los collage trágico-irónicos de las torturas medievales utilizadas por la Inquisición sobre la cabecera de L'Osservatore Romano resultan, en este sentido, demoledores.Han sido obras muy polémicas que han provocado concentraciones de gente rezando el rosario ante sus exposiciones e incluso la sonada clausura de una retrospectiva suya en Buenos Aires hace dos años por orden judicial ante la demanda interpuesta por una asociación ultracatólica. La polémica fue mayúscula y aunque finalmente la exposición pudo reabrir sus puertas gracias a la intervención municipal, el propio artista decidió cerrarla días más tarde al no poder aguantar la presión ni las amenazas recibidas.Ha quedado clara la apuesta por un arte claramente político del jurado de la edición de esta 52ª Bienal de Arte, abierta aún hasta el 21 de noviembre, que ha estado presidida por Manuel Borja-Villel, director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, e integrada por Iwona Blazwick, directora de la Whitechapel Gallery de Londres; Ilaria Bonacossa, conservadora de la Fundación Sandreto Re Rebaudengo de Turín; Abdellah Karroum, comisario independiente afincado entre París y Rabat, y José Roca, director de arte del Banco de la República de Bogotá.Además de estos premios, el jurado también ha valorado la línea documental en el caso del León de Oro a la mejor participación nacional, que ha recaído en el pabellón de Hungría por un trabajo de investigación fílmico sobre la relación entre cultura y ocio a través de los centros culturales de Budapest realizado por Andreas Fogarasi. En este apartado ha recibido una mención el pabellón de Lituania.La novedad de este año, el León de Oro a un historiador del arte por su contribución al arte contemporáneo, ha recaído en el alemán afincado en Estados Unidos Benjamin Buchloh -algo que no sorprende ya que los trabajos de investigación del editor de October ha estado siempre en la línea de trabajo de Borja-Villel, presidente del jurado- "por su capacidad de articular y analizar las vanguardias históricas en el contexto del arte de hoy".
http://nedkosolakov.net/content/discussion_property/index_eng.html
http://www.elpais.com/articulo/cultura/Marchantes/armas/elpepucul/20071018elpepicul_5/Tes
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